El director gallego Javier Fajardo (1992) viaja a Chile para conducir el Réquiem de Wolfgang Amadeus Mozart en la apuesta de la Corporación Cultural Universidad de Concepción para esta semana Santa 2026.

Serán dos presentaciones con la soprano Camila Guggiana, la mezzosoprano Valeria Vega Matus, el tenor Gonzalo Quinchahual y el bajo Pedro Alarcón como solistas y el Coro y la Orquesta UdeC; el viernes 27 de marzo a las 19 horas y el sábado 28 a las 18 horas en el Teatro Universidad de Concepción (O’Higgins 660), con entradas desde $10.350 a $23.000, con descuentos para estudiantes y tercera edad.

Sobre su aproximación a esta monumental partitura y su forma de comprender la interpretación musical, así como de lo que representa su debut en nuestro país conversa con Radio Beethoven este músico que es titular del Coro de la Orquesta Sinfónica de Galicia.

Este músico, que está a punto de cumplir 34 años de edad, estaba cerca de su propia ciudad, en Galicia, dirigiendo la Cuarta Sinfonía de Brahms.

«Todos los conciertos tienen algo especial, y no porque sean en espacios emblemáticos van a ser más significativos o menos, yo estoy deseando hacer el concierto de la semana que viene allá en Concepción. Al final todos tienen algo especial, y yo creo que si los músicos estamos dispuestos a dar todo, el público lo va a recibir con mucho gusto», asegura.

Primero Javier, este será su debut en Chile. ¿Qué expectativas tiene en particular por venir a este país, a Concepción, cuáles son las referencias que ha tenido?

«Pues, mire, tengo que decir que mucha gente aquí en Europa está hablando mucho de la Orquesta de Concepción, desde que el maestro Luis Toro está al frente de ella, pues está teniendo un foco mediático muy importante. Así que no puedo estar más ilusionado de poder estar allí, tener esa experiencia, ese contacto con la orquesta y con el coro, que me han dicho que es maravillos y que también dirige un director fabuloso como Eduardo Díaz. Y nada, pues, con muchas ganas de poder hacer música juntos».

Sí, Luis Toro Araya ha producido un cambio significativo. Antes esa orquesta tuvo un par de directores muy importantes, Mika Eichenholz y Julian Kuerti, quienes hicieron un gran aporte a la orquesta. En este momento Luis Toro Araya es una de las figuras más prometedoras que tenemos, con una carrera francamente ascendente. Él partió en el violín, entonces tiene un conocimiento interno que las orquestas adoran. En el caso suyo, usted viene del mundo coral, ¿no?

«Así es. Bueno, creo que la experiencia que reciben de todos los maestros titulares las orquestas es muy importantes y ahora tienen mucha fortuna de poder continuar ese trabajo que han hecho los anteriores maestros con una figura como la de Luis. En mi caso vengo del mundo de la voz, aunque es verdad que yo he estudiado primeramente piano y clarinete; al final de mis estudios he tomado el contacto con la voz. Así que tengo todo ese campo muy abierto y muy conocido. Desde hace ya bastantes años, casi diez, estoy desde la dirección».

Javier Fajardo (1992) es director titular del Coro de la Sinfónica de Galicia. «Es una de las orquestas principales de mi país. Para una persona de Galicia no puede haber más orgullo que ser maestro titular del Coro y de la Orquesta Sinfónica de Galicia», explica.

Por supuesto, son los elencos más importantes. Además, al depender del Estado, a nivel de región, ayuntamiento, etcétera, son instituciones que velan por el desarrollo de la música más allá de lo comercial.

«Así es. Y, además, siempre al máximo grado de excelencia, o buscando la excelencia. De hecho, muchos de los mejores maestros de todo el mundo vienen a esta orquesta para hacer las obras principales, tal como vamos a hacer ahora en Concepción, el Réquiem de Mozart».

Hablemos sobre esta experiencia suya en la voz, cómo usted la transmite, también al trabajo orquestal. Muchas veces he viso en los primeros ensayos que los directores además de su gestualidad usan la voz para comunicarse, cantando, con la orquesta. ¿Cómo es para usted este conocimiento interno de la voz en su aporte a la orquesta?

«Bueno, yo siempre he dicho que si un músico puede cantar una melodía, un tema, un pequeño motivo, pues luego es capaz de tocarlo, pues sabe lo hay que traducir a un instrumento mecánico, como el violín, el clarinete o el piano. Para mí, la voz es el mejor instrumento, el más completo, por cierto, el más barato también, porque un instrumento musical siempre es muy caro. la voz es un instrumento increíble si eres capaz de dominar, de saber la variedad de colores, de paletas y de formas de emitir un sonido. Hace ya bastantes años me enamoré de esta capacidad de transformar sonidos, de hacer que la gente con la que trabajo entienda de qué forma podemos hacer los distintos sonidos, tanto de una obra como el Réquiem, como otra cualquiera, en la que buscamos aquello que se acerca más a lo que el compositor quiso plasmar o quiso hacer. Es un trabajo fabuloso. Así que si alguien es capaz de cantar, pues es capaz de hacer lo que quiera, musicalmente hablando».

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Pasemos al tiro al Réquiem. Acá decimos ‘al tiro’ como ‘inmediatamente’.

«Lo sé, es la tercera vez que voy a Chile, lo que pasa es que no a dirigir. Y ya conozco un poquito el lenguaje, porque además tengo muchos amigos chilenos y me encanta. Todas esas expresiones las tengo ya muy interiorizadas».

Y cuando había venido, ¿tuvo actividades musicales?

«Hace dos años visité la ciudad de Antofagasta por primera vez, porque allí se hacía un proyecto social orientado a la música, pero no era para dirigir ningún concierto. Allí me han conocido varios músicos y finalmente, por casualidades, todo ha desencadenado en Concepción. Este próximo julio estaré en Antofagasta dirigiendo la Orquesta de Antofagasta. Esta es la primera vez que dirijo en Chile. Es un país que me acogió muy bien desde la primera vez que fui, la gente es entrañable, fabulosa, muy cercana, muy amable, muy dócil. Yo me siento como en casa, la verdad».

¿Qué le gustaría comentar del Réquiem de Mozart?

«El Réquiem de Mozart es una de las obras más completas y más modernas del autor. Cuando empezó a componerlo, no sabía que se iba a morir. Él realmente estaba buscando la forma de construir un lenguaje litúrgico, de música religiosa, que hasta el momento no había hecho con tanta sensibilidad. Había hecho misas, pero de una manera un poquito más superficial. Pero cuando comenzó el Réquiem realmente buscó la forma de transmitir con la voz, con las líneas melódicas y con los motivos que él construye, ese lenguaje. En sus manuscritos es claro cuando él fallece, porque en el octavo compás de Lacrimosa, que es la pieza más reconocida de él, ya no hay ningún compás más. No hay música escrita después. Hasta ahí, todos los números que hay son fabulosos. Es increíble ver cómo ha cogido ideas de otros compositores y las ha elevado a un punto que creo que nadie hasta el momento lo había hecho. Siempre digo que Mozart es uno de los músicos más aventajados de su época porque fue de los pocos que pudo viajar por toda Europa cuando era muy niño, con lo cual fue recogiendo ideas, texturas y formas de componer a las cuales otros no tenían acceso».

Asegura el director español que el trabajo vocal debe ser, al mismo tiempo, muy exigente y muy delicado. «Es una obra que he hecho muchísimas veces, en muchos países y tengo muchas ganas de encontrarme con el coro, moldear esas voces y ponerlos en conjunto con la orquesta», apunta.

Es bien interesante que haya trabajado esta misma obra con músicos de distintas partes del mundo porque hay tradiciones locales que marcan la forma de entender y de interpretar la música. Por ejemplo, las orquestas que toman la tradición escrita desde sus raíces, por ejemplo, una orquesta alemana, cuya tradición perpetúa tal como la tradición oral se ha perpetuado largamente en los países de América Latina, en la música popular o el folclore. ¿Cuán diferente puede sonar el Réquiem de Mozart? ¿Puede expresar algo distinto dependiendo de la orquesta con la que uno trabaje? Porque cuando las raíces están en culturas muy distintas y esas culturas tienen trayectorias muy diferentes… Una orquesta que tiene 10 años y una orquesta que tiene 150 años van a ser muy distintas en la forma de sonar, ¿no?

«Exactamente. En concepción, me imagino que len comparación con otras que hay en Europa, esa orquesta es mucho más joven, de modo que va a ser mucho más directo y mucho más rápido alcanzar esta forma de hacer el Réquiem que en Europa, donde es mucho más complejo de alcanzar porque hay una especie de tradición de ‘siempre se ha hecho así’, que es muy difícil de quitar. Por ejemplo, en el Dies Irae, que es uno de los números más conocidos por todo el mundo porque ha salido en anuncios de televisión, películas, en todos lados, la gente se va a sorprender porque hay cosas que se han fijado, se han dado por válidas versiones de algunos maestros que por cuestiones históricas fueron como las oficiales. Pero a veces hay que revisar bien algunos aspectos. Muchos maestros, figuras súper importantes, vienen a la Orquesta de Galicia y han traído sus apreciaciones, y en eso, de haberla preparado, de haberla comentado con otros compañeros, uno se genera una idea más fidedigna, que es lo que intento hacer yo en esta obra siempre».

¿Puede detallarnos qué es lo sucede habitualmente en el Dies Irae? Tengo la idea de que se sacrifica la dinámica en función de la velocidad.

«Voy a hablar un poquito en un lenguaje más específico para los músicos. Está escrito en un compás de cuatro partes y siempre se hace como si fuese un compás de dos partes. Ese pequeño matiz hace que ese número cambie por completo porque todo lo que acompaña a lo que es la palabra, que es el Dies Irae, esa ira de Dios, lo que acompaña, que es lo que hacen los violines, empieza a tener sentido si uno lo observa en un compás de cuatro partes y además con la indicación metronómica que hace Mozart. No es nada que ninguno se haya inventado. Pero si nos paramos a ver esto, el tipo de escritura que ya Mozart había hecho de la Sinfonía en modo menor, la Sinfonía n°25, podemos ver el parentesco con una corriente que en Europa se llamaba Sturm und Drang, que era una corriente que trataba de provocar temor a la sociedad. Entonces ese número en concreto tiene esta particularidad y esa semejanza, ese espejo en el que mirar que es ese tipo de forma de cantar, de expresar y de tempo, porque Mozart sí que dejó claro cómo lo quería, en qué tipo de rítmica, en qué tipo de subdivisión y cuánto valía».

Además de radio Beethoven, yo también trabajo en el Instituto de Música UC y el año pasado, se hizo el Réquiem de Mozart, en una versión de una partitura que al parecer nunca se tocó en Chile, pero que llegó acá muy tempranamente y corresponde a una copia previa a la versión que se consolidó. Algo que fue estudiado por el musicólogo español, Miguel Ángel Marín, quien hizo un libro sobre el Réquiem de Mozart que fue un éxito de venta. Y él menciona esa versión «chilena» que fue identificada en el Archivo de la Catedral de Santiago. Y era algo distinta. Para el público fue muy interesante, hubo personas que iban revisando, partitura en mano, si había diferencias.

«Sí, sí».

¿Qué les diría a los auditores de Radio Beethoven para que se animen a ir a estos conciertos de Semana Santa en el Teatro Universidad de Concepción?

«Bueno, pues yo creo que tenemos todos los elementos para que sea una gran noche, para que sea un momento para redescubrir el Réquiem de Mozart, también para descubrir unos cantantes solistas con tanto potencial que tenemos y, por supuesto, disfrutar del coro y la orquesta de la Universidad de Concepción, que son dos agrupaciones de las que me han hablado estupendamente y que estoy convencido que no van a dejar nada reservado para estas dos noches que van a ser fabulosas. Así que les invito a todos a que vengan, que disfruten, si quieren incluso que les traigan la partitura para ver esos detalles de los que hemos hablado, y nada, les espero a todos allí».

Por Romina de la Sotta Donoso | 23-03-2026.