Ya no volveremos a mirar de la misma manera el monumental mural de Roberto Matta que se encuentra en la plaza Mulato Gil de Castro y que da la bienvenida a quienes visitan el Museo de Artes Visuales MAVI UC.

La debutante ha ganado, y mucho, con la instalación Arqueologías del futuro que se inauguró en septiembre pasado en esa misma plaza. Conformada por grandes piedras y textiles tejidos en telar, esta creación fue montada en persona por su propio autor, el artista guatemalteco Antonio Pichillá. Y resuena fuerte en el mural.

La dimensión precolombina de la obra de Matta resplandece con inusitada fuerza en sus figuras y gestos. También en elementos que seguramente pasaron desapercibidos para muchos hasta ahora: la piedra tacita y la conchuela blanca.

Este diálogo entre dos obras nos devuelve el profundo sentido ritual que nuestro artista visual más internacional de todo el siglo XX había imbuido al mural, haciéndose eco de la sacralidad que la piedra tacita y la conchuela blanca tuvo en nuestros pueblos indígenas.

La imagen y la certeza, palpables para todo aquél que asista al MAVI UC hasta el 22 de noviembre, es uno de los regalos de la muestra «Ejercicios de Empatía: Tramas de lo Vivo», que es parte de una ambiciosa iniciativa transcontinental y que, en nuestro país, es ejecutada por la Pontificia Universidad Católica de Chile: la Trienal Internacional de Arte de Universidades Católicas, ART CUT 26.

«Mi trabajo viene siendo una investigación sobre el concepto de la arqueología, porque ahora la humanidad no tiene los códigos para poder darle lectura, por más información que contengan los museos y los sitios», nos explicó el artista guatemalteco, Antonio Pichillá.

Las piedras que usó en su instalación en Santiago las fue a buscar a un recinto especial. No es sólo asunto de materialidad, deben ser piedras sagradas. «Lo que hago es vestirlas y coloco velas alrededor. Son como personas, como seres que tienen alma, espíritu y que sienten» detalló.

El artista guatemalteco citó, además, a Humberto Ak’aba, el poeta maya k’iche’. Él escribió, nos dijo, que las piedras no son mudas; solamente guardan silencio. «Es algo que me parece importante y por eso coloco acá estas piezas que guardan información y sienten», indicó Antonio Pichillá.

La invitación en MAVI UC es a dejar de mirar la naturaleza como un paisaje o recurso. Y, a través de la empatía, a reconocernos como parte constitutiva de una trama viva con minerales, plantas, animales, ríos, montañas y océanos.

«Ejercicios de Empatía: Tramas de lo Vivo» exhibe en MAVI UC 19 obras de arte contemporáneo de igual número de artistas, tanto nacionales como extranjeros. Se suman 47 obras de arte precolombino de la colección Santa Cruz-Yaconi en la Sala MAS y dos obras en la plaza Mulato Gil de Castro.

Se hacen presentes materiales como barro, cobre, textiles, cera y vegetales, así como fotografía, video, sonido, pintura, escultura y proyección.

Así, Chile es uno de los siete escenarios de la primera Trienal Internacional de Arte de Universidades Católicas (ART CUT 26), una iniciativa internacional impulsada por el Dicasterio para la Cultura y la Educación de la Santa Sede, con exposiciones en universidades católicas de América, Europa y África.

La muestra en MAVI UC se articula con intervenciones en el Museo Chileno de Arte Precolombino, la Parroquia la Veracruz y el Bodegón Cultural de Los Vilos.

La curaduría de la Trienal ART CUT 2026 es del académico portugués Nuno Crespo y la muestra chilena fue cocurada por Alexia Tala.

La inauguración se efectuó el 3 de septiembre pasado. Mientras el ministro de las Culturas, las Artes y el Patrimonio Francisco Undurraga puntualizó que «la cultura es una casa común» y que «el arte abre las puertas de esa casa común», el rector UC Juan Carlos de la Llera contó que la invitación la recibió en Guadalajara, junto a la vicerrectora de Asuntos Internacionales UC María Montt.

Leyó, íntegra, una carta del cardenal José Tolentino de Mendonça, prefecto del Dicasterio para la Cultura y la Educación del Vaticano. En la misiva, se cita a Edith Stein, para advertir del riesgo de las empatías malentendidas y se entrega el sustento pastoral de esta iniciativa.

Igualmente, un deseo: «Que esta estación chilena de la Trienal sea también un signo de esperanza, la prueba viva de que incluso en un mundo fragmentado todavía es posible tejer entre personas, instituciones y culturas distintas una red de sentido de belleza y fraternidad».

«Es muy emocionante ver que una idea que era completamente abstracta hace un año atrás, hoy día toma esta forma, con obras que son tremendamente potentes desde el punto de vista de cómo interpelan a la persona y a la sociedad» – Juan Carlos de la Llera

Junto con indicar que estamos ante un llamado a contribuir a transformar la realidad en que vivimos, el rector UC De la Llera indicó que «se trata de la mayor muestra de acción contemporánea liderada por la Universidad Católica en su historia».

Tras la inauguración, le preguntamos qué emociones lo embargaban.

«Es muy emocionante ver que una idea que era completamente abstracta hace un año atrás, hoy día toma esta forma que estamos viendo con obras que son tremendamente potentes desde el punto de vista de cómo interpelan a la persona y a la sociedad. Ojalá que venga la gente porque realmente una obra de esta calidad y de este nivel de producción es difícil lograrla en nuestros países; estoy muy contento por eso», respondió el rector UC Juan Carlos de la Llera.

«En este momento, además de estar emocionado, me doy cuenta de que la Universidad Católica ha tomado un liderazgo muy relevante a nivel internacional. Porque me tocó visitar otras exposiciones, y me parece que el nivel de calidad que esto tiene es extraordinario. Se debe a una curaduría que fue de muy buen nivel al encontrar a estos artistas que tienen algo muy relevante que decir en torno a este concepto de la empatía. Y en ese sentido, me embarga un gran agradecimiento respecto de todo ese esfuerzo y trabajo de personas de la universidad como de afuera, trabajo que dio, finalmente, esta exposición como fruto», agregó.

Me parece que el hecho de que usted leyera la carta que le mandó el cardenal Tolentino de Mendonça dice mucho. Que indica que, más que hablar usted, quiso que las palabras de él ilustraran cómo se valora desde afuera el esfuerzo de toda una comunidad.

«Sí, porque la idea finalmente es de él. Nosotros como buenos académicos sabemos reconocer de dónde vienen las ideas. Más allá de eso, él es una persona bien extraordinaria. Es un poeta, es una persona que escribe maravillosamente y con una sensibilidad gigantesca. El mérito en gran medida es de él; nosotros simplemente fuimos instrumentos para lograr que esto se materializara».

«Esta provocación que nos hace la Iglesia Católica a través de las universidades es un gran llamado ante la crisis que está viviendo el mundo en general, por no ser capaz de ser empático» – Francisco Undurraga

También le pedimos una reflexión al ministro de las Culturas, las Artes y el Patrimonio. «Esta provocación que nos hace la Iglesia Católica a través de las universidades, no solamente en Sudamérica, sino también en Europa y en África, es un gran llamado ante la crisis que está viviendo el mundo en general, por no ser capaz de ser empático, no ser capaz de descubrir en el otro las legítimas diferencias para buscar, en cambio, las cosas que nos unen», indicó.

«Creo que para la sociedad entera, la empatía es un tema que no solamente provoca, sino que nos tiene que llamar a la reflexión», agregó el publicista.

El célebre artista muermino Bernardo Oyarzún fue quien representó a Chile en la Bienal de Venecia 2017 con Werken, su instalación de 1500 máscaras mapuches Collón, y también lo convocaron para la exposición en MAVI UC. Su trabajo fue uno de los que más atención concitó en la inauguración.

«La curadora, Alexia Tala, me contó el tema curatorial, que tenía que ver con la empatía, básicamente. Así que tuve que bocetear en poco tiempo una obra, porque no tenía algo que se vinculara directamente con eso», comenta.

Con poco tiempo, se refiere a dos semanas.

«Si hay una falta brutal de empatía, es en esos pueblos donde tienen que repartir agua en camiones aljibes. Apoderarse del agua puede destruir una gran comunidad por una falta de empatía que se traduce en sed real» – Bernardo Oyarzún

«Me fui de inmediato al tema del agua, porque he visto en persona el deterioro que produce la falta de agua, su privatización y la acumulación mezquina del agua, también. Es curioso, porque a la acumulación individual del agua, por ejemplo, en un embalse, dentro del mundo indígena se le considera agua muerta. Al sacarla de la cuenca del río o de su afluente natural por donde tenía que correr, el agua pierde todos los minerales que lleva consigo. No es una muerte figurativa, sino de verdad: cambia totalmente el ecosistema de la cuenca. Y en el sentido biológico, el agua muerta no es productiva», explica Bernardo Oyarzún.

Ese concepto lo vinculó directamente con la destrucción de una comunidad por la pérdida del agua. «Si hay una falta brutal de empatía, es en esos pueblos donde tienen que repartir agua en camiones aljibes. Trabajé con el fenómeno que hace escasear el agua en un lugar donde hay mucha agua; apoderarse del agua puede destruir una gran comunidad por una falta de empatía que se traduce en sed real», aclara el artista.

Lo que hizo fue su propio acopiador individual de agua. «Pero al modo indígena, donde la tierra va a tener una relación íntima con el agua», aclara Bernardo Oyarzún.

La obra se llama Gota de Agua. Es una representación de un jarrón de dos metros y medio de altura, y la representación de una gota de ayuda cayendo.

Coincidentemente, esa fue la primera obra que impactó a Norton Maza, el artista que nos está representando este año en la Bienal de Venecia, con su instalación Inter-Reality.

«La muestra es muy interesante. Particularmente, hay una pieza de Bernardo Oyarzún que me encantó; genera un asombro gigante», comentó Norton Maza.

«Una iniciativa de esta índole representa oxígeno para la ciudad. Hay piezas muy interesantes y algunas van evolucionando con el tiempo. Son obras activas, vivas y siempre es bueno ver el proceso y lo que pasa», agregó el artista nacido en Lautaro.

Una de estas propuestas que van cambiando en el tiempo es justamente una que nos impresionó: Desborde, de la chilena Josefina Guilisasti.

«Es la cordillera de los Andes que va desde Venezuela a Argentina y Chile», nos indicó y aclara que la construyó con cera de soya por una razón de fondo: «Por todo lo que implican y han provocado las grandes plantaciones de soya en el ecosistema».

En los bordes de esta cordillera con relieves hay fuentes de calor y un sistema de captura de la cera, cuando se vuelve líquida, que se va acumulando en vasijas de barro. Estas últimas, creadas por la artista alfarera de Quinchamalí Nayadeth Núñez.

«¿Qué pasaría si los Andes desaparecen y ahí se pierden las fronteras. Eso se relaciona con la empatía de superar ese sistema de límites y que pueda haber mucho más diálogo» – Josefina Guilisasti

Así, Josefina Guilisasti nos invita a «pensar en qué pasaría si los Andes desaparecen y ahí se pierden las fronteras. Es la utopía de pensar en un continente sin cordillera, y creo que eso se relaciona con la empatía de superar ese sistema de límites y que pueda haber mucho más diálogo».

«La idea es que, en las visitas guiadas, con los niños especialmente, estudiemos la geografía del continente, qué implica la cordillera, y qué está pasando actualmente con el tema de los glaciares», cerró la artista santiaguina.

Nuno Crespo, director de la Escuela de Artes de la Universidad Católica Portuguesa, escribe en el medio especializado Ipsilon del periódico Público.

En su discurso de la inauguración realzó el potencial de los proyectos artísticos como dispositivos que permiten un diálogo que supera las barreras culturales, lingüísticas y políticas. También, la necesidad de hacernos eco, en todas las actividades y reflexiones que realicemos, del llamado que hace el Papa León XIV en su encíclica Magnifica Humanitas a que siempre reconozcamos al otro y su humanidad. Es una condición propia del arte, por lo demás.

Lo abordamos al término de las formalidades, para saber más. Reconoció que ser curador general de ART CUT distaba mucho de ser un trabajo fácil por dos aspectos distintivos de esta trienal.

«La exposición está en tres continentes y eso, en la construcción del proyecto, obligó a colocar la empatía como proceso de trabajo porque tienes que hablar con 14 curadores y escuchar diferentes sensibilidades» – Nuno Crespo

«Hay muchas y muy buenas trienales y bienales de arte contemporáneo en el mundo, pero esta trienal tiene la originalidad de hacer una conexión muy fuerte, que está en su corazón, entre arte y educación», detalló el crítico portugués.

En segundo lugar, explicó, «Aunque sea una única exposición, está distribuida por el mundo entero. Ahora está en tres continentes y eso, en la construcción del proyecto, obligó a colocar la empatía como proceso de trabajo. Fue necesario porque tienes que hablar con 14 curadores y escuchar diferentes sensibilidades: hacer una exposición en Santiago de Chile no es lo mismo que hacerla en Luanda, Boston o Milán».

Sin embargo, el hecho de que un total de 15 curadores se articulen, en vez de ser una dificultad se convirtió en un plus. «La capacidad en desarrollar esa conversación con locaciones tan distintas es también el gran motor de esta trienal», aseguró Nuno Crespo.

Y nos dio un ejemplo de las numerosas trocas (intercambios) que, a su juicio, «hacen más fértil y más poderoso al proyecto».

«Alexia Tala, que ha sido la co-curadora aquí de Chile, ha hablado con los otros curadores y eso generó cambios. El equipo curatorial de Lisboa, en Portugal, no conocía a Cristian Salineros. Y fue Alexia Tala quien lo sugirió porque podría ser interesante para ese proyecto en Lisboa», detalló Nuno Crespo.

Salineros, de hecho, será parte de la muestra en Lisboa, que se inaugurará el 12 de octubre, sumándose a las muestras ya abiertas en Rio de Janeiro, Santiago, Bogotá y Boston. También en octubre abren las exhibiciones en Milán y Luanda. El turno de Venecia será en 2027.

Dos fueron los académicos clave para el desarrollo y la ejecución de este proyecto por parte de la Universidad Católica, y el rector Juan de la Llera los reconoció en su discurso inaugural: José Manuel Izquierdo, director de Arte, Cultura y Patrimonio UC, y la vicerrectora de Asuntos Internacionales María Montt.

Conversamos con la historiadora, después de la apertura del 3 de septiembre. Considera que para la UC es un privilegio ser parte «de este proyecto de gran envergadura que nos invita a hacer de la empatía un instrumento de nuestro quehacer diario» y que ART CUT «nos honra y nos desafía». En ese sentido, cita al Papa León XIV en Diseñar nuevos mapas de esperanza: «Las comunidades educativas no levantan muros, sino que construyen puentes».  

«El arte nos invita a cuestionar nuestras certezas y a ver el mundo desde la perspectiva de otros. En ese sentido, la empatía aparece como una práctica de apertura y escucha. Las obras reunidas en la Trienal nos recuerdan que comprender al otro requiere imaginación, atención y disposición a encontrarnos con experiencias que son distintas de las nuestras» – María Montt

Respecto de la participación de MAVI UC como sede, la vicerrectora Montt indica que «refleja nuestro compromiso con el arte como espacio de reflexión, diálogo y encuentro. También reafirma el papel de la universidad como una institución abierta a las preguntas más profundas de nuestro tiempo y que participa activamente para responder a los desafíos contemporáneos. Una de esas maneras es a través del arte. Es, además, una expresión concreta de lo que se define como una universidad conectada con el mundo».  

¿Por qué es importante para usted, como autoridad de la UC, haber podido trabajar en este proyecto?

«Este proyecto reúne artistas, curadores e instituciones de diversos países en torno a una reflexión común. Haber contribuido a hacerlo posible ha sido especialmente valioso porque demuestra cómo el arte puede convertirse en un lenguaje compartido que acerca realidades distintas, que nos moviliza, que moviliza capacidades. Poder responder a una invitación del Dicasterio para la Cultura y la Educación de la Santa Sede es un honor, y una responsabilidad, sobre todo por el enorme alcance de la Trienal, es un proyecto que nos desafía e invita a la transformación, a transformarse para transformar».

¿Qué es lo que el arte puede decirnos directamente como público que recorrió la exposición? ¿Cuáles son las reflexiones en torno al concepto de empatía que nos abre?

‘»El arte tiene la capacidad de hacernos mirar aquello que muchas veces pasa desapercibido. Nos invita a detenernos, a cuestionar nuestras certezas y a ver el mundo desde la perspectiva de otros. En ese sentido, la empatía aparece como una práctica de apertura y escucha. Las obras reunidas en la Trienal nos invitan a la reflexión, nos conmueven, nos mueven; nos recuerdan que comprender al otro requiere imaginación, atención y disposición a encontrarnos con experiencias que son distintas de las nuestras. En un tiempo marcado por la inteligencia artificial, que puede simular la empatía pero no vivirla, el arte nos recuerda lo que es propiamente humano. Por eso la Trienal pone en diálogo la estética y la ética, y nos permite reflexionar sobre una inteligencia artificial al servicio de una sociedad más humana. La muestra en Chile, ‘Ejercicios de Empatía: Tramas de lo vivo’, da un paso más: nos pregunta si la empatía puede extenderse también a otras formas de vida y a nuestra relación con la naturaleza».  

En lo personal, ¿hubo alguna obra o instalación que le llamara la atención? 

«Me impresiona enormemente la manera en que las obras en Chile dialogan entre sí y construyen una reflexión colectiva, y también ver cómo el diálogo se va ampliando, enriqueciendo, y complejizando, a medida que se van inaugurando los capítulos en otros países. Hay obras en otras sedes que parecen dialogar directamente con las de la muestra en Chile. Me cuesta elegir, pero me impresionaron mucho la obra de Bernardo Oyarzún y la experiencia inmersiva de Detanico Lain. Y el caminar como presencia en el paisaje de Hamish Fulton. El Chile de Josefina Guilisasti. El tejido de Ximena Garrido-Lecca en el Precolombino. El traer el mundo exterior a lo interior de Pilar Elgueta y Sofía Nercasseau, en Los Vilos. Y cómo no mencionar la obra de Rivane Neuenschwander. Y podría seguir… Creo que es la muestra como un todo, y su escala que excede a Santiago y a Chile, lo que más me llama la atención».  

Coordenadas
MAVI UC (Lastarria 307). 10 a 18 horas, martes a viernes. 11 a 19 horas, fines de semana y festivos. Entradas: $3.000, de 19 a 64 años. $1000, de 13 a 18 años. $5.000, turistas extranjeros. Gratis para menores de 12 y mayores de 65 años, personas en situación de discapacidad y estudiantes universitarios, también el último domingo de cada mes. Más información.

Por Romina de la Sotta Donoso | 28-09-2026.