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Primeras obras de Philip Glass
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Primeras obras de Philip Glass


Por: - 11 de febrero de 2019

A las 24 horas recordamos los primeros hitos creativos del compositor estadounidense: Music with Changing Parts, Music in Twelve Parts y Another Look at Harmony.

Lunes 11 de febrero – 24 horas

Music with Changing Parts (1970)
Icebreaker

Martes 12 a Jueves 14 de febrero – 24 horas

Music in Twelve Parts (1971-74)
Philip Glass Ensemble

Viernes 15 de febrero – 24 horas

Another Look at Harmony Part IV (1975-77)
Coro 21st Century, Christopher Bowers-Broadbent / Howard Williams

Glass nació en 1937 y después de estudiar en Chicago y Nueva York, se trasladó a París para completar su formación con Nadia Boulanger en 1964. Conoció ahí a Ravi Shankar y trabajó con él, en 1966 viajó a India y en 1967 retornó a Nueva York, entabló amistad con colegas como Terry Riley y Steve Reich, formó su primer grupo y comenzó a actuar en lofts y galerías del naciente distrito Soho de Manhattan.

Desde 1967 concibió una serie de partituras repetitivas y rígidas para su conjunto, como Two Pages, Music in Fifths, Contrary Motion y Music in Similar Motion, pero gracias a la experiencia de la interpretación en vivo y el deseo de otorgar más libertad a su música llevaron a Glass a explorar algo diferente en Music with Changing Parts, escrita en 1970 y que marcó un hito en su carrera.

Music with Changing Parts

Además de representar la culminación de una etapa estética, Music with Changing Parts fue una obra influyente para muchos artistas que la escucharon en las giras de Glass y su conjunto por Estados Unidos y Europa, artistas como Brian Eno, David Bowie y Robert Fripp, mientras que algunas presentaciones en vivo congregaron a figuras emblemáticas de la vanguardia como Anthony Braxton, James Tenney y Frederic Rzewski.

Music with Changing Parts se divide en módulos de duración e instrumentación libres, por lo que la cantidad y tipo de instrumentos, así como la extensión total, son decididas por los intérpretes. El resultado sonoro debe ser una masa cuyas componentes sean casi imperceptibles y donde no existan solos ni melodías creadas por los intérpretes y emerja una especie de “canto subjetivo” desde los sonidos sostenidos y los pulsos repetitivos.

Grabación de 2006 del grupo británico Icebreaker: James Poke en sintetizador y flauta, Rowland Sutherland en flauta y voz, Christian Forshaw, Bradley Grant y Richard Craig en saxo y clarinete bajo, Ian Watson, Dominic Saunders y Andrew Zolinsky en teclado, Emma Welton en violín eléctrico, Audrey Riley en cello y teclado, James Woodrow en guitarra, Pete Wilson en bajo y Dan Gresson en marimba.

Music in Twelve Parts

Aunque en el pasado Glass objetaba ser llamado un compositor minimalista, hoy en día acepta esto pero solamente cuando se alude a sus primeras obras, aquellas escritas hasta Music in Twelve Parts. Después de esta partitura, Glass prefiere ser calificado como un compositor de música basada en estructuras repetitivas.

De hecho, cuando compuso Music in Twelve Parts, entre 1971 y 1974, Glass cerró una etapa estilística dentro de su creación, y por lo mismo esta partitura funciona como una especie de compendio deliberado pero enciclopédico de las técnicas desarrolladas por él desde mediados de la década de 1960.

Music in Twelve Parts también marcó un hito en el repertorio del Glass Ensemble como la más extensa y ambiciosa obra de concierto creada por el autor. El conjunto necesitaba nueva música y Music with Changing Parts de 1970 había probado que las posibilidades épicas del nuevo lenguaje musical de Glass podían ser interpretadas en vivo.

Al respecto, Glass comenta lo siguiente: “Cuando comencé el primer ensamble en 1968, era fácil encontrar gente para ensayar cada jueves en la noche porque nadie tenía mucho que hacer. Yo quería convertirlo en una entidad profesional y si estás creando un idioma musical nuevo necesitas un ensamble con una técnica consistente para desarrollarlo”.

“Quería realizar suficientes conciertos al año para pagarle a los músicos. Para organizar nuestra primera gira envié unas 120 cartas y obtuve seis respuestas. Tocamos en Saint Louis, Tacoma, Minneapolis y otros lugares, viajábamos en una sola camioneta con los instrumentos, descargábamos, tocábamos, cargábamos y seguíamos”.

Y sobre la gestación de la obra, dice: “el primer movimiento fue pensado originalmente como una pieza individual y las Twelve Parts aludían a sus doce líneas de contrapunto, porque los teclados tocaban seis líneas, había tres instrumentistas de viento y planeaba aumentar el ensamble para obtener las tres líneas restantes.

Cuando le mostré la obra a una amiga, ella me dijo ‘es muy hermosa… ¿y las otras once partes serán como ella?… pensé que era un interesante malentendido pero decidí tomarlo como un reto y me puse a componer once partes más”. Así las partes nacieron y fueron estrenadas una a una desde 1971 hasta que la obra completa se presentó en 1974.

Cuando Music in Twelve Parts fue terminada en 1974, el ensamble estaba formado por Glass y Michael Riesman en teclados electrónicos, Richard Landry, Richard Peck y Jon Gibson en instrumentos de viento, Joan LaBarbara en voz y Kurt Munkacsi en consola. De ellos, Gibson, Peck, Riesman y Munkacsi siguen en el grupo.

Aunque algunas partes comenzaron a ser interpretadas en 1971, el estreno completo fue realizado en el Town Hall de Nueva York en 1974 y duró más de cuatro horas. Después se ha presentado como tal en cuatro ocasiones: 1981, 1990, 2006 y 2012. Además, hay dos versiones completas en disco, una de 1993 y otra de 2006.

Como el mismo Glass ha afirmado, esta obra marcó el término del minimalismo para su lenguaje y quizás un punto culminante del movimiento minimalista, no sólo por el estilo y el carácter de su escritura, sino también, por las demandas físicas, virtuosas, técnicas y de concentración impuestas a sus ejecutantes.

Para todos los que han integrado el ensamble, Music in Twelve Parts ha cumplido el rol de una iniciación para formar parte del grupo, ya que en ella se combinan la estoicidad y la sincronía con la tensión y el suspenso, así como la rigurosidad de la interpretación de la música de cámara con la intensidad de una banda de rock.

Al respecto, Michael Riesman, uno de los miembros fundadores del ensamble, comenta: “la gente me pregunta cómo me siento después de tocar Music in Twelve Parts y quedan sorprendidos cuando les digo que podría hacerlo una y otra vez, porque estoy preparado mentalmente para alcanzar el nivel de concentración y resistencia requerido.

En estos años, he desarrollado la técnica apropiada y basada en el esfuerzo mínimo para presionar las teclas, manteniendo mis manos y brazos relajados, y empleando un teclado ‘fácil’, es decir, un órgano-sintetizador sin teclas pesadas y que requiere la presión muy pequeña para gatillar una nota”.

Grabación de 1993 con el Philip Glass Ensemble: Lisa Bielawa en voz, Jon Gibson y Andrew Sterman en saxos soprano y flautas, Richard Peck en saxos alto y tenor, Philip Glass y Martin Goldray en teclados y Michael Riesman en teclados y dirección.

Another Look at Harmony

Another Look at Harmony fue un proyecto iniciado en 1975 y comprendió cuatro obras independientes: dos que fueron incorporadas en la ópera Einstein on the Beach, una para clarinete, piano y voz, así como otra para coro con órgano. La cuarta sección respondió a un encargo del Festival de Holanda y fue terminada en 1977.

Esta partitura representó el intento de Glass de introducir armonías cromáticas dentro de su estilo repetitivo. De esta manera, el uso de ciclos de secuencias de armonía reiterativa apoya y da origen a las estructuras rítmicas, un proceso que convirtió a Another Look en la transición estética de Glass entre Music in Twelve Parts y Einstein on the Beach.

Grabación de 2007 con el organista Christopher Bowers-Broadbent y el Coro 21st Century dirigido por Howard Williams.

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